Man kann es sich vorstellen, diesen Coup de foudre, nicht als Ernst Ostertag das erste Mal Röbi Rapp, sondern als die Filmproduzenten dieser Story begegnet sind. Zürich in den Nachkriegsjahren, eine liberale Stimmung ein wenig wie Berlin in den Zwanzigern, die Anfänge der Schwulenbewegung und mittendrin eine Liebesgeschichte, die etwas von Romeo und Julia hat, Sex und ziemlich blutige Crime und dann das Umschlagen der Stimmung und viel Repression plötzlich – und zum Schluss dann doch noch ein Happy End. Hollywood! müssen sie sich gedacht haben. Und dahin werden sie nun tatsächlich auch geschickt, Der Kreis geht für die Schweiz ins Rennen um den Oscar für den besten ausländischen Film, nachdem er bereits den Publikumspreis an der Berlinale und auch sonst ein schönes Palmares eingeheimst hat.

Eine grosse Geschichte also, und erst noch alles wahr! Noch nicht so lange her wurden Schwule auch in der Schweiz wie Schwerverbrecher behandelt – ein böses Beispiel übrigens dafür, wie schwerfällig der gesellschaftliche Apparat ist und wie er der Gesetzgebung zuweilen hinterherhinkt: nicht alles was legal ist, ist deswegen automatisch akzeptiert. Seit 1942 ist Homosexualität in der Schweiz kein Straftatbestand mehr, und seit wann handelt die Gesellschaft danach? In den Sechzigern jedenfalls war von Toleranz nicht viel zu spüren.

Aber es ist ein Fluch mit diesen allzu wahren Geschichten, sobald man sie nachzuerzählen beginnt: Sie verhölzern rasch, werden behäbig und allzu bedeutungsschwer – und können so auch den Klischees kaum mehr ausweichen. Dabei hätte diese hier soviel tolles Material geboten, tolle Figuren, die man aber aus dem Korsett der wahren Begebenheiten hätte befreien müssen, damit sie ein Eigenleben hätten entwickeln können. So ist es nun bei der blossen Berichterstattung geblieben – einer reichlich bieder erzählten Chronik der Ereignisse. Ein mutloser Crowdpleaser – Hollywoodkino à la suisse.

Das Queersicht Filmfestival ist erwachsen geworden, 18 nämlich. Erwachsene Anlässe, ein oft verwendeter Begriff und ja, eine abgegriffene Floskel. Doch hier finde ich sie endlich passend, und nicht wegen dem Alter des Queersicht, sondern weil Queersicht politisch erwachsen geworden ist: Zum ersten mal heisst es offiziell nicht mehr schwul-lesbisches, sondern LGBTI – Filmfestival. Dass das einige Medien (auch wir, huiuiui) immer noch durcheinander bringen, mag an der klebrigen Haftung solch eingeschliffener Begriffe liegen, aber auch darin, dass es das Queersicht selbst noch nicht geschafft hat, diesen neuen Untertitel (nennt man so, oder?) durchgehend zu verwenden.

Genug Politik – kommen wir zum Festival selbst, denn über das Programm und so weiter hat die Krstic in obigem Artikel schon viel gesagt. Ich habe mir gestern in der Cinématte Männer zeigen Filme und Frauen ihre Brüste angeschaut. Ein 1A – Mockumentary (eh mein Lieblingsgenre) über das Filmfestival in Cannes, lustig, anspruchsvoll, femistisch. Und auch – und darum geht’s eben nicht hauptsächlich, und das ist der springende Punkt an diesem Film, ja, ich wünsche mir mehr solche Filme mit queeren Hauptfiguren, wo das Queersein einfach dazugehört und nicht als Pointe oder Plotentschuldigung verwendet wird – und auch die natürlichen Beziehungs- und Selbstfindungsprobleme der Regisseurin. Le trailer:

Ich wünsche dem Queersicht alles Gute mit dem Erwachsensein – und wilde Party gehören da dazu, nicht nur zu Cannes. Wahrscheinlich war ich gestern einfach zu früh in der Gebärmutter aller guten Gespräche und Ideen, dem Festivalzentrum im Kulturpunkt Progr.

Wo soll man anfangen? Der neue (und wie es heisst: letzte) Film des Bildermagiers Hayao Miyazaki ist nicht leicht zu fassen, dabei hat sich Miyazaki doch das erste Mal in seiner langen Karriere eine Geschichte vorgenommen, die ganz ohne Märchenwelten auskommt, einen «realen» Stoff aus der jüngeren japanischen Geschichte. Aber eben: real – mit solchen Kategorien kommt man zumal im Animationsfilm nicht weit, und dass der Altmeister Miyazaki da für besonderes Durcheinander sorgt, war anzunehmen.

Die Erdbebenszene am Anfang des Films nutzt er schon mal für eine Erschütterung auch der Realitätsebenen – das Beben kommt bei ihm nicht als geologische Urmacht, sondern als zerstörerisches, raunendes Etwas. Da ist man für einen Moment in die früheren Miyazaki-Welten zurückversetzt, wo es meist um das Verhältnis von Mensch und Natur ging, beziehungsweise um die Erzählweisen, die das Andere da draussen zum Freund- oder aber Feindlichen machen, je nach Sichtweise. Schon da waren die Rollen meist nicht so klar belegt, nicht umsonst kommen die liebenswertesten Monster der Filmgeschichte aus der Ghibli-Traumfabrik. Und eben da gibt es eine grosse Kontinuität in Miyazakis Schaffen, bis zu «The Wind Rises», und eben da wird es nun plötzlich ziemlich kompliziert.

Denn nun geht es nicht mehr um Fabelwesen, sondern um den Flugzeugingenieur Jiro Horikoshi, einem Helden des japanischen Technikwunders im 20. Jahrhundert, der eben nicht nur in wirtschaftlich schwierigen Zeiten ein Flugzeug konstruiert hat, das es plötzlich mit der ausländischen Konkurrenz aufnehmen konnte, sondern der das genau in den Aufrüstungsjahren vor und während des Zweiten Weltkriegs geschafft und damit Japan zu unverhoffter militärischer Macht verholfen hat (Stichwort: «Pearl Harbour»). Hiyazaki hat sich mit der Wahl und der Behandlung des Themas denn auch in Teufels Küche gebracht: Ihm wurde zuhause Verherrlichung eines Waffenentwicklers ebenso wie Demontage eines Nationalheiligen vorgeworfen. Wenn man Vorwürfe aus so weit auseinanderliegenden Lagern bekommt ist das meist ein gutes Zeichen – dann kommt man mit vorschnellen Urteilen nämlich nicht sehr weit.

Das Zauberhafte am Film ist ohnehin, dass die Fragen nach der Rolle des (träumenden, schwärmenden und damit auch blind fortschrittsgläubigen) Ingenieurs in Zeiten des Kriegs immer nur im Hintergrund mitschwingen, während ganz andere Handlungsfäden das Geschehen prägen. Eine sehr simple aber deshalb kein bisschen weniger schöne Liebesgeschichte steht im Vordergrund, dazu der Übergang von Tradition und Moderne und die Frage danach, was man mit der Sehnsucht nach diesem verklärten Gestern am besten anfängt, wenn die Zeit unerbittlich (und viel Grosses versprechend) nach vorne drängt. Lose eingewoben dann noch eine Hommage an Thomas Manns Zauberberg und überhaupt ein dauerndes melancholisches Hinüberblinzeln nach Europa, dieser zerbröselnden Kulturhochburg – das ergibt ein famoses und unendlich facettenreiches Alterswerk, nach dem man es als Regisseur getrost gut sein lassen kann.

Meine ersten Karriereschritte beging ich im Callcenter des grössten Mobilfunkanbieters der Schweiz. Ich half den Menschen, herauszufinden, welches Handy-Abonnement sich am besten eignet: Soll es ein Natel xtra-liberty plus, Natel xtra-liberty mini oder doch ein Natel xtra-liberty-schlagmichtot sein? Da kommt auch das Personal ins Grübeln.

Wenn ich heute das Programm des Kurzfilmfestivals Shnit studiere, kommen all diese Gefühle wieder hoch: So viele Informationen, die so ähnlich klingen. In fünf Tagen werden in Bern 160 Kurzfilme gezeigt, es gibt verschiedene Spielstätten (z. B. das Zelt im Innenhof des Progr) und «Playgrounds» (u. a. Moskau und Cape Town), zwei Überthemen («Life Is a Beach» und «Marry Me»), es gibt SHNIT Opening, Night of Nominations, Local Flavour, Animates, Documents, Experiments … AAAH!

Und doch: Dieses im Jahr 2003 in Bern gegründete Kurzfilmfestival ist eine feine Sache und startet nun – gestärkt durch den Kulturpreis der Burgergemeinde Bern – in Runde zwölf.

Ich bin dann gestern, so ziemlich gegen Ende des Eröffnungstages, noch beim Peeping Shnit hineingesneakt: dort, wo die «lüstern-frivolen» Kurzfilme gezeigt werden. Nach der ersten Hälfte habe ich die Hitze in der Aula des Progrs nicht mehr ertragen, aber zum Glück hat es für die Penismaus gereicht, denn die ist toll:

PS. «Penismouse», der Kurzfilm des Polen Kristof Babaski, ist bereits im Jahr 1957 entstanden, wurde aber erst in den letzten Jahren entdeckt. Ein kleines Kugelschreiber-Zauberstück!

 Das Shnit dauert noch bis am Sonntag, 12. Oktober. Das ganze Programm hier.