So, gleich weiter mit den Jahresrückblicken, man kann nämlich getrost auch schon 2015 abschliessen, aus cinematographischer Sicht – sobald man Xavier Dolans Mommy gesehen hat. Nach diesem Hurrican von einem Film kommen ziemlich sicher nur noch laue Lüftchen.

Während alle Kino-Masochisten sich auf den neuen Seidl freuen, um sich wieder mal so richtig elend fühlen zu können, weil sie ja im tiefsten ehrlichsten Grund so elend ist, diese Welt, während sich alle also diesen Fremdschauder holen (denn bei Seidl geht’s ja eigentlich nie um uns, sondern um den hässlichen Bodensatz, über den wir uns schaudernd dann doch ein wenig erheben), haut uns Xavier Dolan einfach sehr direkt und ungekünstelt eins in die Fresse. Nein, nicht nur eins, man sei gewarnt: dieser Film macht einen fertig, er beutelt einen zweieinhalb Stunden lang, Magengrube, Nierengegend, Kinnhaken, und wieder voll in die Weichteile – Dolan ist ein verdammtes Schwergewicht, und dabei ist er doch erst 25 Jahre alt. Und er ist ein frecher Hund, ein tänzelnder Heisssporn, der keinen Respekt und vor allem keine Angst vor der grossen Leinwand und den grossen Gefühlen hat. Er fordert gleich alles heraus: uns, das Kino an sich, alle möglichen Vorreiter, alle Konventionen und Gepflogenheiten des Genres. Wie Dolan allein mit dem Bildformat herumspielt ist eigentlich eine Unverschämtheit und würde von jedem Filmdozenten verboten. Zum Glück braucht Dolan keine Lehrer mehr.

Das könnte also gehörig schief gehen, diese Geschichte um eine Mutter, die nicht so viel Feingefühl und Sinn für gesellschaftliche Kriechereien hat, aber dafür einen umso derberen Wortschatz und vor allem umso mehr Liebe für ihren Sohn – der trotzdem zuverlässig auf die schiefe Bahn gerät. Oder: diese Geschichte um einen Sohn, der nicht versteht, was die schlicht viel zu kleinkarierte und enge Welt von ihm will, der liebt und um sich schlägt und der damit alle vollkommen ohnmächtig macht (auch den Zuschauer). Könnte schiefgehen, aber: diese Wildsau von Regisseur macht einfach alles richtig, man weiss nicht recht wie – man würde ihn ja nicht ungern auf die Schnauze fallen sehen, so grossspurig ist das alles, aber er fällt nicht. Und seine Schauspieler gehen das gewagte Spiel mit und machen ihre Figuren fast überlebensgross, so dass man am Schluss nicht mehr recht weiss, war das jetzt eine fein beobachtete Gesellschaftsstudie aus den kanadischen Suburbs oder griechischer Mythos. So oder so: muss man gesehen haben. Man wird noch oft daran denken, im weiteren Laufe des Kinojahres.

Mitten im pulsierenden Zürich-Oerlikon steht es, dieses Haus von Hansruedi «HR» Giger, dem Schöpfer zahlreicher düsterer Bilder, Visionen, Zeichnungen und Skulpturen. Auf seine ganz eigentümliche Weise ist Gigers Wohnsitz eine Art Oase, wenn auch eine Oase der etwas andern Art. Vom Keller bis unters Dach vollgestopft mit Büchern, Möbeln, Skulpturen, Kunstwerken, Arbeitsmaterialen, Schädeln und sonst allerlei düsterem Krimskrams, vom Sonnenlicht abgeschirmt und ausgestattet mit einer hauseigenen Mini-Geisterbahn bleibt kaum ein Zentimeter frei in diesem dämmrigen und gespenstischen Wohnuniversum. Gigers Haus ist denn auch zentral in Belinda Sallins Dokumentarfilm «Dark Star – HR Gigers Welt», in welchem die Zürcherin ein sensibles Portrait über das Leben und Wirken von HR Giger entwirft. Kurz nach den Dreharbeiten verunglückte dieser in seinem eigenen Haus und schied im April diesen Jahres im Alter von 74 Jahren aus dem Leben.

Schon als kleiner Bub hob sich Hansruedi offenbar von anderen ab bezüglich seinem Umgang mit den eigenen Ängste. Mit sechs Jahren bekam er von seinem Papa, einem Apotheker, einen Totenschädel geschenkt und um zu beweisen, dass er keine Angst vor dem Tod habe, zog er diesen fortan wie einen Spielzeughund an einer Leine auf der Strasse hinter sich her. Giger erklärt in «Dark Star», dass es seine ureigenen Ängste seien, die er in seinen Kunstwerken verarbeite und dass er ihnen damit die Macht nehme. Die Motive, welche sein ganzes Schaffen durchziehen, sind denn auch stets die gleichen: Geburt, Sexualität und Tod. Sein bio-mechanischen Wesen sind unheimlich und doch anziehend, sie symbolisieren das Zusammenspiel von Eros und Thantanos und bewegen sich dabei auf Messers Schneide zwischen surrealem Traum und Traumata.

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Der Film läuft wohl nicht mehr allzu lang, man sollte also nichts wie hin. Viel muss man eigentlich gar nicht sagen – wenn die Dardenne-Brüder die Cotillard für eine Produktion gewinnen können, dann kann das Ergebnis ja gar nicht anders als formidabel herauskommen.

Wie einfach grosses Kino doch sein kann. Man nehme einen gesellschaftlichen Brennpunkt und eine persönliche Betroffenheit und buchstabiere sie fein säuberlich durch. Ein bisschen griechische (oder auch französische, das spielt heute ja nicht mehr so eine Rolle) Tragödie dazu, ein von irgendwelchen fiesen Gottheiten – höheren Mächten, ob nun von dieser oder jener Welt – gesponnener Schicksalsfaden und ein paar einfache Menschen, die gewillt sind, es mit diesem Schicksal aufzunehmen. So sieht die Krise aus. So und nicht anders. Für einen magischen Kinomoment wenigstens.

«Push The Sky Away», nur ein bisschen, Mister Cave, damit wir Sie besser sehen können. Und der Meister selbst fächert und wedelt scheinbar die ihn umgebenden Rauchschwaden weg, damit das Fussvolk einen Blick zwischen die weissen Laken werfen und sich im schicken Auto neben ihn setzen darf. Der Film «20.000 Days On Earth» soll uns zeigen, wie ein Tag im Leben des Pop-Maestros aussieht. Aber hier bemüht sich niemand – am wenigsten der Hauptprotagonist selbst – uns die Wahrheit zu verkaufen. Der Film ist ein einziges Gedicht, eine Stunde und fünfunddreissig Minuten lang.

Alles dreht sich um die Frage: Wie schreibt man einen Song? Nicht irgendeinen, sondern einen dieser furchterregend guten, wie ihn Cave schon etliche Male geschrieben hat? Wenn gar nichts mehr geht, dann «erschiesse den Clown», sagt der Mann im Massanzug und wandelt weiter in einem Tagtraum aus Fiktion und einem bisschen Realität – am realistischsten vielleicht dann, wenn er Butter auf sein Brot schmiert. Wenn Cave dicht neben dem bärtigen Warren Ellis (♥) sitzt, der auf seinem Korg-Synthesizer die Melodienfolge spielt, dann wirkt das wie im Gebärsaal; die Musiker sind hochschwanger mit diesem Song, aber geboren ist er noch nicht. Schweissperlen auf Caves Stirn. Rührend, die Szene, wie er zum Publikum herunterkniet und fragt: «Do you hear my heart beat?»

Am Ende des Films ist man nicht schlauer, aber berührt ganz sicher. Und die Wolken, die waren gar nie weg.

«20.000 Days On Earth» läuft seit dem 13. November im Kino Kunstmuseum.